アルバム『M-P-C “Mentality, Physicality, Computer”』インタビュー
冨田ラボが俯瞰する、日本の音楽シーンの今「Jポップの構造を再考すべき時が来ている」
冨田ラボによる、通算6枚目のアルバム『M-P-C “Mentality, Physicality, Computer”』がリリースされた。
前作『SUPERFINE』では現代ジャズの意匠を取り入れるなど、これまで得意としてきた「60〜70年代ポップミュージックのシミュレーショニズム」から、「アップ・トゥ・デートなポップス」へと大きくシフトした冨田。本作もその延長線上にある作品で、ヒップホップやトラップ、ドラムラインなど様々なエッセンスを抽出しつつ、「冨田ラボ印」ともいうべき洗練された楽曲を並べている。Ryohu（KANDYTOWN）やchelmicoといったラッパーをはじめ、ペトロールズの長岡亮介やシンガーソングライターのRei、無名の女子高生シンガーNazなど、ゲスト陣も相変わらず豪華でバラエティ豊かだ。
「その時、一緒にやりたい人と常にコラボしてきただけ」と語りつつも、結果的にシーンの“今”を独自の視点でキャプチャーしながら作品を作り続けてきた冨田。本作『M-P-C』でフィーチャーしたアーティストとの共作を経て、彼は今、日本のポップミュージックをどのように見ているのだろうか。（黒田隆憲）
Jポップの構造を再考するにあたって、ラップは非常に有効
ーーまず、アルバムタイトルのことからお聞きしたいと思っていて。「MPC」というと僕などは、AKAIプロフェッショナルの定番サンプラーシリーズを連想するのですが（笑）、資料には「M-P-Cとは、Mentality（精神）、Physicality（肉体）、Compute（コンピューター）の略」と書かれていました。さらに、「重要な作品コンセプトであり、 今の人間社会に必要な三要素でもある」と。
冨田ラボ（以下、冨田）：まずは自分の制作環境を考えましたね。僕が音楽を作り始めたのは80年代ですが、最初の頃から音楽制作にはコンピューターが取り入れられていました。さらに僕自身でいうと、オーディオの波形エディットや演奏の解析、数値化もかなり早くからやっていたので、M、P、Cという三要素を本当に不可分に思っていたんです。精神的、心理的なものは作曲から始まって常に最優先で働かせていますが、演奏では肉体が大きく介在するし、結果はコンピューターに録音され編集される。で、その結果を聴いて今度は……みたいなね。こういった一連の作業が延々とループされ相互に影響されるのを長く体験しながら、これら三要素が不可分なのはもちろん、自分自身が三要素の結合の結果みたいにも感じていたんです。で、現代社会というか、いま生きている人の大部分も同じ状態だな、と思ったんですよ。僕に限った話じゃなくて、みんな当然のようにこの三要素を、それぞれバランスは違えど駆使して暮らしているわけですよね、無意識でも。つまりコンピューターが肉体や精神と同じくらいの働きをしているというか、その存在自体が「前提」になっている状態なわけです、今は。
ーーそうですね。
冨田：なんだか20世紀のSFか2045年の話してるみたいですけど（笑）、そのどちらでもなくて、現状すでに人間の精神や思考、生活もコンピューターやまつわる諸々に影響を受けて変化してますからね。もちろん僕らの世代は20世紀から生きているから現代と比較できるけど、例えば2006年に生まれたうちの子なんかはもちろんこの状態が当然なわけ。彼らや続く世代が、揺り戻しも含めどう変化していくかは興味深いですよ。当然、ともなって音楽もね。今まで辿った音楽の変化にしても、コンピューターの登場によって演奏も変わったし、作曲の仕方も変わった。演奏を必要としない音楽もたくさん生まれましたよね。方法論としてはそれに対してのアンチテーゼもあったけど、でも精神的、感覚的な影響に関しては簡単には戻らないからね。20世紀も知っている人間としては、その変化の大きさも感じるからさ。そこでコンピューターと人間の関係をタイトルにしたわけです。自分の音楽を端的に表してる感じもしたし、しかもイニシャルがMPCになった（笑）。AKAIのMPCは使ったことないんだけどね、今回ソフトサンプラーなどはたくさん使っているのだけど。
ーーたくさん使っていますよね。驚きました。
冨田：このアルバムは、前作『SUPERFINE』から地続きというか。あの時にやり始めた手法を推し進めた結果が、本作という感じかな。前にも話したけど、自分が聴く音楽もいわゆる「リイシューもの」からリアルタイムのものに移行して、それが面白くて作風自体も変わっていったんですね。ジャンルでいえば、ヒップホップとR&Bが増えたけど、ラッパーを入れたいという気持ちは、実は『SUPERFINE』の時からあったんです。あの時は人を選びきれず実現しなかったのだけど、「今度こそはやろう」という気持ちもあった。
ーー冨田さん自身は、ポップミュージックにおけるヒップホップやラップの可能性は、どんなふうに考えていますか？
冨田：僕は日本のポップミュージック……Jポップと呼べばいいのかな。僕自身がそれをやっている人間ではあるのだけど、その「歌謡曲性」や「Jポップ性」みたいなものを、再考すべき時が来ているんじゃないかなと思っていて。そこにもっと色んな可能性があるということを、僕ら音楽家は探っていくべき時期なんじゃないかと思っているんですよね。例えば楽曲の構成にしても、現行の洋楽ではループするトラックにバース、あっても短いブリッジ、そしてコーラスという構成が多いけど、それを僕自身も気持ち良いと感じるんですよね。たぶんサブスクはじめ現代の聴取環境に合っているのは大きいと思うけど、時代のスピードという言い方でもいいかな。それに比べるとJポップ、特にメインストリームにあるものはもっと説明的というか、もちろん曲によるんだけど、説明過多と感じることがある。
ーーイントロがあってAメロ、Bメロ、サビ、そして大サビという60年代の構造が未だに主流ではありますね。
冨田：そう。ストーリーを構成でさらに説明するという構図だね。それって、日本語の特性とも大いに関係があると思うんです。例えば英語だったら“I love you”を3音節で言えてしまうのに対して、日本語だと“私はあなたを愛しています”となる（笑）。伝えるのにそれだけ時間がかかってしまう言語だから、歌謡曲の形式が今も残っているのかもしれないなと。で、そんなJポップの構造を再考するにあたって、ラップは非常に有効だと思っているんですよね。
ーーなるほど。ラップならメロディよりも言葉を詰め込むことができますからね。では、現代ジャズに関してはどうでしょうか。例えばbirdの『Lush』（2015年）から冨田さんは、現代ジャズの手法を積極的に取り入れていて、『SUPERFINE』はもちろん今作でもいくつかの楽曲に、その手法が引き継がれています。それも今おっしゃった、「Jポップの再考」の一つであったりしますか？
冨田：そうだね、そういう要素もポップスになりうると僕は思っているからね。もしかしたら、「そこまでやったらポップミュージックとは言えないよ！」という人もいるかもしれないけど（笑）、そのスリリングさこそが“心躍らせる要素”なんじゃないかなと。「こんなの、聴いたことないけど面白い」とか、「わけがわからないけど感動する」とか。言葉での説明を一切必要としない魅力は必ず必要だと思っている。
ーー例えば今作にも参加しているものんくるや、前作に参加していたcero、他にもCRCK/LCKSなど、ポリリズム的な要素を楽曲に組み込んでいるバンドが、このところ同時多発的に現れていると思うんですよ。それって、なぜなのでしょう？
冨田：4拍子や2、4のバックビートがあるリズム以外もポップスだと捉えるようになったんじゃないかな。”グラスパー以降”という言葉で散々語られてきた現象だと思うけど。ポップスでは、というか実験音楽や習作段階にあるもの以外では、聴いただけで心動かされることが重要なので、ポリリズムがそういった縛りの中でも機能する手法、かつ新鮮だと感じられた結果だと思います。あとはみんな上手いから、演奏家としての側面も大きいんじゃないかな。ポリリズムはやってても楽しいから（笑）。数学的なのと肉体的なのと両方の快感が得られる。ジャズ界隈を中心とした話だけど、ポリリズムは2010年代初頭くらいに一旦飽和状態になった気がするんですよ。とんでもなく難解なところまで行ったけど、そこまで行くとね、その前段階のものはポップスにも有効だと感じられるようになったんだよね。
ただ、ceroの場合は髙城（晶平）さんは“演奏家”ではないから、作曲家〜プロデューサーとして刺激されたんだろうね。聴いていてスリルや新鮮さを感じたものは、取り入れたいと思うのが音楽家じゃない？ あと、そこに日本語の歌詞を乗せることが、彼にとっては重要だと言っていたな。2年前の話なので今はわからないけど。
ーーなるほど。
冨田：でも、僕に関して今作では、あからさまなポリリズムや、リズムの訛りみたいなことはあんまりやっていなくて。音色の出入りとか、音色の捻れ、急にハーフスピードになった落差とか、そういった違和感でグルーヴを形作る方が新鮮で、そちらに興味がいってましたね。
ーー新鮮さということでいえば、今作では「アルペジオ feat. chelmico」と「POOLSIDEDELIC feat. Rei」が特に驚きました。
冨田：実は、最初に作ったのが「アルペジオ」だったんです。さっきも言ったように今回はラッパーを入れようと思っていて、最初に決まったのが彼女たちだった。で、どんなトラックにしようかをそこから考えたんです。作ってた頃、世間は今以上にトラップ一色みたいな時期だったんですが、それは彼女たちには合わないと思い、ジャンル問わずいろいろ聴いたり試したり、グリッチものとかも、結構好きで聴いていて。で、そういった要素を取り入れつつ、骨格としては割とポップに聴こえるようなリフなりビートにしようと思って。それをアイゾトープのStutter Editというプラグインで、大幅に切り刻んだトラックにしようと。
ーーこれまで冨田さんが手がけたラップは、例えばm-flo loves Crystal Kayの「REEEWIND!」にしても、前作の「冨田魚店 feat.コムアイ」にしても、一筋縄ではいかない楽曲でした。今回はかなり正攻法のアプローチですよね？
冨田：冨田魚店？ あー、Aメロの左右にあるダブル分は確かにラップか（笑）。音程ない感じでってリクエストしたからね。まあそれら以外にも今まで何曲かラップものはやりましたけど、リミックスか、もともとラップのデータがあって、それを元にトラックを作るっていうやり方しか経験なかったんですよね。トラックを作って、そこにラップを乗せてもらうという順番は今回が初めてだったんです。
だから、最初は少し迷ったんですよ。だって、今までの僕はまずメロディを作ってアレンジを構築していくわけだからさ。「あ、このトラックに彼女たちのラップが乗ったら良さそうだな」というイメージは湧くのだけど、果たして「良さそうだな」だけで進んでていいのだろうか？ みたいな（笑）。なので、とりあえず2人に来てもらって、まだリリックも完成していなかったんだけど、「なんでもいいから取りあえず仮でラップを乗せてみてくれない？」って頼んだんですよ。
ーーなるべく明確なイメージを掴むために。
冨田：で、やってもらったら、ものすごーく安心した。もうそのままOKでもいいんじゃないか？ っていうくらい（笑）。やっぱり、普段ずっと歌モノをやっているから、スピーカーの中央に声があって、その周辺で色んなことが起きているっていう音像にしないと、どうしても納得できないんですよね。で、「この辺で音符が細かくなった方が良さそう」とか、「ここは小節アタマより先行してラップが入るのは可能？」とか、大雑把なリクエストは伝えつつ、現場での改変もあリつつ完成しました。お互いに手探りだったと思います（笑）。
