神はサイコロを振らない、背負う新たな使命 新レーベル立ち上げ、新曲「99」……変革の季節を語る
神はサイコロを振らないが、新レーベル「Nighty Night」を立ち上げ、11月11日に「99」をリリースした。ガットギターのループを軸にした音像と、思い通りに動けない日常を描く歌詞には、現在の4人の姿勢が映る。11月14日からは全国5都市を巡る『Zepp Tour 2026 "View From The Soyuz"』が開幕。3rdアルバム『EINSTEIN = ROSEN BRIDGE』と初のアリーナ公演を経た彼らは、どんな音と場所を求めているのか。4人に聞いた。（黒田隆憲）
不自由さや至らなさ、不器用さも、全部を合わせて音楽は一枚の“絵”になる
――夏から秋にかけてライブを重ねてきましたが、今はどんなモードですか？
吉田喜一（Gt／以下、吉田）：この一年くらいで、神サイの今のスタイルが確立されてきた気がしています。最近のライブでは、曲中にお客さんに座ってもらったこともあって、自由度のあるライブができたし、皆さんもリラックスして聴いてくれていた気がしていて。音楽で伝えられる部分が大きくなってきたと思います。日々の小さな経験やインプットが、音に乗って出ているんでしょうね。
――最近はどんなものから刺激を受けていますか？
桐木岳貢（Ba／以下、桐木）：美術館やアートのフェスに行っています。最近行った『MEET YOUR ART FESTIVAL 2026』には音楽も絵もあって、今の自分たちのやりたいことに直結していました。家族連れや子どもたちもいる、誰でも入れる空間がいいなと。最近、僕らがよく話しているのも、「ポップとアートをどう両立させるか」ということですね。
――新曲「99」には、これまでとはまた違う静けさや浮遊感を感じました。どんなきっかけで生まれた曲なのでしょう？
柳田周作（Vo／以下、柳田）：フェスをまわりながら、新しい体制で出す曲を作っていたんですけど、今回は難航しましたね。最近はアコースティックな音を入れたいという流れがあったので、アコギを軸に考えていました。そのなかで、意外とガットギターの音を使っていないなと気づいたんです。ループ素材を使ったことはあったんですけど、アコギのキラッとした響きに耳が慣れてきたところで、ガットの角のない音がよく聴こえて。まず「99」のメインのループを作って、それを軸に肉付けしていきました。
そこから、「今、自分が書きたいこと、歌いたいことは何だろう？」と考えたんですけど、誰かに何かを伝えたいという気持ちも特になかったんですよ。じゃあ、自分の半径30センチ以内で何が起きているんだろうと見てみたら、ガスが2カ月くらい止まっていたんです。身のまわりのことが本当に何もできなくて、書類は散らばっているし、部屋もどんどん汚くなって（笑）。
――歌詞に出てくる生活の細部は、実際のことだったんですね。
柳田：そうなんです。最近、「ADHDあるある」を発信しているYouTuberのエディおさんの動画を観ていて。その人は日常の困りごとを悲観的にとらえるんじゃなくて、「こういう人もいるよね」「そういうものだよね」という感じで、すごくポップに見せているんです。僕はそれを観ると、すごく心が楽になる。だから、音楽でも誰かを元気づけたり、勇気づけたり、諭したりするというより、「こういうやつもいるよね」というニュートラルな伝え方ができたらいいなと思って。今ここで思っていることを、そのまま歌詞に落とし込みました。
――ガットギターの響きには、どんな魅力を感じていますか？
柳田：シンプルに、アコギでは出ない響きがあるんですよね。ちょっと海っぽさというか、湘南っぽさもある。実は「99」をライブでやる時に、フロントの3人が全員ガットギターを弾くのもいいなと考えていて、それで自分でも買ったんです。そのギターで桑田佳祐さんの「風の詩を聴かせて」を弾き語りしたら、本当に砂浜がパッと浮かぶような音がして。PAさんにも「周作の声にすごく合うよね」と言ってもらいました。アコギはキラッとした部分が前に出てくるんですけど、ガットの角が取れた丸い響きは、自分の声と連動する感覚がある。心地好くて、母親のおなかのなかにいるような感じがいいなと思っています。
――イントロや歌い出しで鳴っている、マリンバのような音は何を使っているのでしょう？
柳田：あれもガットギターなんです。ピッチを落としたりしていて。WAVデータのピッチを変えると、よくも悪くも機械的な音になるんですけど、それがむしろキュンとくる瞬間もある。あのフレーズは、ライブでは僕がガットギターで弾くことになるかもしれません。
――皆さんは、演奏や音作りでどんなことを大切にしましたか？
黒川亮介（Dr／以下、黒川）：今回は、メンバーが「この音を追い求めていました」と言ってくれるスネアが見つかったんです。師匠でもあるドラムテックさんが持ってきてくれたCANOPUSのソリッドブロンズで。深さは4インチと浅いけど、音に密度があって、そんなにうるさくもない。あの楽器でしか出ない音が録れたのは大きかったです。Zeppツアーでも使えたらと思っているので、楽しみにしてもらえたらうれしいですね。
吉田：今回はギターのサウンドがループでずっとまわっている曲なので、今はそれをライブでどう表現するかというところに、すごくフォーカスしています。
柳田：レコーディングでは、ガットギターからアコギに切り替わるところで、3人がそれぞれ違うボイシングで弾いてみることも試したんです。でも、音を入れれば入れるほど、変に豪華になってしまって。この曲が持っているのは、むしろ「足りなさ」なんですよね。一人ぼっちの少年が部屋のなかにうずくまって、パソコンで何かを作っているような、そこがこの曲のエネルギーだと思ったんです。
最近、桐木とよく話しているのは、音楽は結局、一枚の絵なんじゃないかということで。デモからアレンジを進める時に、「もっとサビらしく」「もっとキャッチーに」というオーダーで生まれるものもあると思うんですけど、きれいにすればいいわけでもないんですよね。その曲が本来持っている不自由さや至らなさ、不器用さも、全部を合わせて一枚になる。そういう感覚が強くなってきました。
――その判断は、ボーカルの録り方にも表れていますか？
柳田：Aメロは、家で録った、部屋のノイズも丸ごと入っているテイクを使っています。一方で、サビのようにブワッと飛ばされるところは、ちゃんとスタジオで録ったきれいなテイク。部屋のなかにいて、そこから雲の上へ飛ばされて、また部屋に戻ってくる。その切り替わりがうまくできたと思っています。ボーカルテイクも含めて、エンジニアさんとみんなで、この曲の着地点を話し合いましたし、ここ最近でいちばん模索した曲かもしれません。
桐木：「音質がよければいいわけじゃない」という話はレコーディング中にたくさんしていました。その時にしか録れない、空気が丸ごと入っているようなテイクって、本当にあるんですよね。そういうことを話し合えたのは、今回の制作ですごく身になりました。
――歌のフローにも、新鮮さを感じました。
柳田：この曲、ゆっくり、どっしり聴こえるけど、実は結構速いんですよ。作っている時は気づいていなくて、レコーディングの時にドラムテックさんから言われて、「あ、この曲って速いのか！」と。
東京にいると、知らないうちに生き急いでいるんだろうなとも思いました。電車を乗り換える時も、別に急ぐ必要はないのに「1分でも早く！」と思っている自分がいる。常にそういう状況にいたんだなと、録り終わって気づいて。こういう譜割りにしようと決めていたわけではなく、自然に気持ちを詰め込んでいたらこうなっていた、というのが面白かったです。
